miércoles, 15 de junio de 2016

SENDEROS DE GLORIA

Ficha técnica

Título original: Paths of glory
Director: Stanley Kubrick
Producción: James B. Harris, por Bryna Productions / United Artists (Estados Unidos, 1957)
Guión: Stanley Kubrick, Caldero Willingham y Jim Thompson, a partir de la novela homónima de Humphrey Cobb
Fotografía: Georg Krause
Música: Gerald Fried
Dirección artística: Ludwig Reiber
Montaje: Eva Kroll
Reparto: Kirk Douglas (Coronel Dax), Ralph Meeker (Caporal Pares), Adolphe Menjou (General Broulard), George Macready (General Mirbeau), Wayne Morris (Teniente Roget), Richard Anderson (Comandante Saint-Auban), Joseph Turkel (Armaud)
Duración: 86 minutos.

Sinopsis

En 1916, en Francia, el general Boulard ordena la conquista de una inexpugnable posición alemana y encarga esa misión al ambicios
o general Mireau. El encargado de dirigir el ataque será el coronel Dax. La toma de la colina resulta un infierno, y el regimiento emprende la retirada hacia las trincheras. El alto mando militar, irritado por la derrota, decide imponer al regimiento un terrible castigo que sirva de ejemplo a los demás soldados.



Comentario
Senderos de gloria” es una película de género bélico, totalmente centrada en el papel de los distintos mandos en el servicio militar y en la función de éstos. Aparecen, por lo tanto, perfectamente definidos los papeles de cada uno de estos hombres. El soldado: morir por la patria y si no muere tener una vida desastrosa en las trincheras; los generales, por lo contrario, disfrutan de sus lujosos caprichos, estancias y posesiones a cambio del sufrimiento de los anteriores, y el coronel, digamos que en este caso hay que estudiarlo ,más detalladamente.
El papel de éste, representado por el actor Kirk Douglas (Dax), presenta a un hombre ocupando un oficio equivocado, formando parte de la guerra y la violencia, mientras el protagonista realmente es un hombre cuya mayor característica es la lealtad y sobre todo, la humanidad. El sentimiento -ageno totalmente a la disciplina, el orden o la concepción de moral en esta situación- invade a Dax, lo que hace que se deje llevar por su humildad y aprecio hacia sus hombres, algo peligroso cuando hablamos de un hombre que debería de tratar a los soldados como si fuesen marionetas de carne y hueso.
El mundo en las trincheras es toltalmente distinto al mundo de los generales, y por lo tanto, también el sentimiento, actitud y perspectiva ante la guerra.
Hay dos generales, los cuales actúan como por así decirlo bajo el famoso atributo de “poli bueno” y “poli malo”. Teniendo en cuenta que el “poli bueno” dice que “los soldados son como niños. Al igual que a una criatura quiere que su padre sepa mantenerse firme, las tropas quieren disciplina. Y una forma de mantener la disciplina es fusilar a un hombre de vez en cuando”, creo que podemos hacernos una breve idea de la forma de pensar del otro general, el cual es el principal (y el “malo”). Una figura mezquina, egoísta, cínica, patriótica y capaz de disfrutar ante la visión de la guerra, ya que invoca a sus propios soldados hacia una misión 'suicida' por así decirlo, ya que el fracaso era visible, y aún así decide matarlos por el simple hecho de juzgarlos 'cobardes'. Mi pregunta es ¿ese hombre, o ese tipo de hombres, estaría dispuesto a estar en el uniforme de sus soldados? Éste crea una aunténtica impotencia, no sólo en el coronel o en los personajes, sino en el espectador, ya que se aprovacha totalmente de su poder para ejercer la tiranía y su personal egoísmo.
Parece que el adjetivo humano que más amenaza a este general es la cobardía y el fracaso. Algo que el coronel Dax asume sin problema -totalmente contrario al cinismo y sobre todo al patriotismo del general- si es lo que salva la vida de sus hombres. ¿Que importa el valor si te lleva a la muerte? Yo, personalmente, separaría esta película en tres secciones. La primera en la cual se presentan las condiciones de vida de ambos personajes (soldados, coronel y generales); la segunda, cuando se hace el juicio interminable y totalmente absurdo, el cual resulta una pantomima, ya que los argumentos que sustentaba nuestro protagonista al defender a sus tres soldados (juzgados al pelotón de fusilamiento por cobardía) resultaban mucho más sólidos y convincentes que los de los generales, y aún así, estos hombres mueren, dejando con un nudo en la garganta tanto a los espectadores como a sus propios compañeros dentro de la película; y por último, la tercera parte, en la cual se reúnen los soldados en una taberna antes de volver a las trincheras y los planos se centran en hacer ver las miradas de estos hombres, y lo que se esconde detrás de ellas.
Hablando un poco de la técnica, es una película en blanco y negro pero de los años 50, por lo que ya se pueden ver planos bastante desarrollados y trabajados (no quiero decir con ésto que las películas de años anteriores no trabajasen los planos, todo lo contrario; es decir, que se supone que hay más avances tecnológicos y su desarrollo puede ser más fácil). Utiliza sobre todo para los paisajes los planos panorámicos generales, en escenas como la del ataque y salida de las trincheras; y el primer plano, cuando refleja al general y a todos los soldados en la última escena. Las escenas son casi todas en un ambiente exterior (trincheras, lugar del fusilamiento...) aunque también las hay interiores (como la escena del juicio o las charlas de los generales con Dax en el interior del edificio).

Volviendo al transfondo moral, es una película que creí que no me iba a gustar, ya que es de guerra y belicososidad, pero al contrario, me ha parecido interesnate. No la incluiría en mi lista de películas favoritas, pero sí creo que está muy bien rodada, dirigida y planteada (algo que no dudo si está en manos de Kubrick), y que además refleja valores totalmente universales, no solo aceptables en la guerra o en los años 50, si no en cualquier momento o lugar, como son la lealtad, la humildad, la empatía y el compañerismo (muchos de estos ya citados anteriormente). En resumen, es una muy buena película que muestra a la perfección los sentimientos guerreros y refleja perfectamente la vida de los soldados, alejados de sus mujeres (en todo el film solo aparece una, al final) y sus familias, a cambio de obedecer órdenes de personas que solo se juegan su honor y prestigio, y las cuales sienten tanto aprecio por la vida de éstos como por una copa de coñac, servida para consumirse y ser olvidada.

jueves, 19 de mayo de 2016

FICHA TÉCNICA:
Título: Clockwork Orange
Año: 1971
Duracion: 137 min.
País: Inglaterra
Director : Stanley Kubrinick
Guión: Stanley Kubrinick (novela por Anthony Burguess)
Fotografía: John Alcott
Música: Wendy/Walter Carlos
Reparto: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Adrienne Corry, Warren Clarke, John Clive, Aubrey Morris, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis, Michael Gover, Miriam Karlin, James Marcus, Geoffrey Quigley, Sheila Raynor, Madge Ryan, Philip Stone.
Productora: Warner Bros Pictures y Stanley Kubrick and Production
Premios: En 1971 , 4 nominaciones al Oscar: Mejor película, director, montaje, guión adaptado,
Género: Drama Crimen
Presupuesto: 2.200.000,00

COMENTARIO:

Con la violencia como telón de fondo, Kubrick me sorprende una vez más con su perfeccionalismo y su increíble técnica. Es la tercera vez que veo 'La naranja mecánica' y mis pelos siguen poniéndose de punta; aunque no podría decir que es de mis pelis favoritas -ya que me deja un sabor de boca horrible cada vez que la veo, y una molestia que cuanto más la veo, mayor se hace- sí puedo decir que me parece una de las películas que más me han impresionado de las que he visto, tanto en contenido, como en sentido técnico, como en todo. En resumidas cuentas, una tremenda obra de arte, aunque supongo que dependiendo de como plasmes una realidad puede ser llevadera o cruda, como es en este caso.
Empezando por los efectos: la elaboración de Kubrick se basa, como ya he dicho, en el perfeccionalismo y además en la variedad. Mezcla todo tipo de planos, desde un plano general hasta uno detalle, pasando por travelling (como la escena del coche), primerísimo, etc...
Utiliza rasgos bastante extravagantes para definir tanto el ambiente (de las casas, el bar donde se reúnen al principio...) como los personajes, de quienes define perfectamente su psicología. Aquí paso a centrarme en el personaje principal, un ser irracional, impulsivo, animal. Totalmente tranquilo y cínico en un principio, el cual vive a base de causar mal y daño a la gente sin que su cara cambie esa especie de mueca que muestra (tanto en el principio del film como al final) y es capaz de mentir, tanto a su familia, como a su 'doctor'... incluso miente a la policía. Éste, junto a sus tres amigos (depradados y exageradamente violentos) viste de una forma peculiar, con un traje blanco con ojos en las muñecas, bastón... y ciertos elementos que definen perfectamente el tipo de elementos a lo que estamos tratando. Se ve como Alex (el protagonista) va cambiando a lo largo de la trama, hasta el final, el cual desconcierta un poco con dicho cambio.
El ambiente, tal y como yo lo entiendo, es una mezcla entre vanguardias; futurismo (sobre todo esta), surrealismo o incluso expresionismo. Se puede ver en ciertos elementos de decoración, como en la esculura gigante de un pene que tiene la señora a la que Alex acaba matando (algo que llamó mucho mi atención), los cuadros que este tiene en su habitación, la estructura de la forma de la casa del matrimonio al que atacan al principio, las esculturas en forma de mujeres que producen leche (con droga) en el bar...
Kubrick plasma esta obra en una sociedad bañada en violencia, miedo (algo que se ve en todas las personas a las que acaban implicando en sus actos), obsesión sexual (presente principalmente en Alex y sus amigos) y deshumanización (capacidad de hacer daños terribles a gente totalmente inocente con tremendo pasotismo).
El director no se corta ni los más mínimo en representar la violencia, el sexo y otros temas tal y como son, sin ningún tipo de velo o irrealismo. Con respecto a la violencia, por ejemplo, las escenas que más llaman mi atención son la del muelle, la cual aparece a cámara lenta (supongo que para mostrar más crueldad de la normal), donde Alex hace ver a sus compañeros quien es el que realmente manda en el grupo, algo que posteriormente le saldrá muy caro, la de la violación de la mujer y la paliza a su marido, donde aparece de la forma más cruda el machismo de estos individuos, incluso diría que hasta misoginia, concepción de mujer como objeto, otra escena es en la que el protagonista salta por la ventana decidido a suicidarse, o en la que clava en la cabeza a la 'mujer de los gatos' la vasta figura en forma de pene, y por último, como no, la escena capaz de definir en una imagen a esta película; la terapia en la que a nuestro querido Alex le sujetan las pestañas de modo que no pueda parpadear, mientras proyectan imágenes de lo que a él le gusta o de lo que el hace: violaciones, crímenes, episodios del nazismo...
Siguiendo con el tema de las violaciones, se ve con exactitud el cuerpo humano en su máxima naturalidad, todas las partes del cuerpo, sobre todo en mujeres; senos, bello púbico... y como no la perversa mirada y conciencia de nuestro protagonista. Algo que muestra el realismo de la película.
El propio argumento de este film llama la atención, aunque no sea propio de Kubrick, ya que es el de un libro de Anthony Burguess, el cual no he leído pero dudo mucho que supere a la película.
Un ser depredado, obsesionado, loco, junto con otros seres iguales (aunque yo creo que todavía más perversos), que hace todo tipo de daño tanto a la sociedad como a la gente de ésta, sin ningún tipo de perfil (ricos, vagabundos, mujeres hombres...) y que acaba recibiendo lo que da. Si dividimos la película en dos partes, la primera definiría a la perfección el interior y la personalidad del protagonista, sus hechos, y el problema gracias al cual se desarrolla la segunda parte (la condena de Alex a 14 años de cárcel por homicidio, a pesar de que esto se reduce gracias a un remedio que los médicos están planteando para 'cambiar' a la gente mala y 'convertirla en buena'). Centrándome en la segunda parte, esta sería un poco el castigo que la sociedad da a Alex. Todo el mal que hizo se revela contra el, pero ¿hasta el punto de hacerle una buena persona?
Hubo un momento en el que creí que había cambiado, que realmente se había hecho bueno, pero todo mi esquema se esfumó en cuanto vi la escena final, en la que la dichosa mueca de pasotismo y maldad vuelve a aparecer en su cara. Supongo que lo que Kubrick quiere hacer ver en su obra es que la violencia y la crueldad de las personas no se soluciona con una doble dósis de esta, y que la gente no puede cambiar, y en el caso de que pueda, no así. Incluso creo que quiere representar a la propia sociedad a través de la figura de Álex.
El remedio que se le puso a éste fue algo horrible y sin ninguna piedad. Desde mi punto de vista (ya no hablando de la película), no puedes intentar que una persona deje de hacer algo mal haciendo a esa persona más mal del que puede hacer. Volviendo a la película, la terapia consistía en hacerle odiar la violencia y su impulso sexual a través de imágenes que plasmaban en su mente tras una gran pantalla, la cual tenía que ver sí o sí, ya que no podía cerrar los ojos, ni siquiera para pestañear, incluyendo en estas imágenes la excepcional música de su compositor favorito, el grandísimo Ludwig van Beethoven, al cual acabó repudiando, hasta el punto de llegar al intento del suicidio al escuchar su ''9ª sinfonía''. Este aspecto me encantó, y me llamó muchísimo la atención, el poder de la música. Está presente en todo la película, y toda (o al menos la gran mayoría) es de este compositor.
Aún así, la terapia no fue lo que más daño causó en Alex. No tanto como la venganza de sus ex-amigos, el triple de cruel de lo que él les había hecho, o el cúmulo de sucesos, todos apareados, que le sucedieron consecutivamente (en el orden exacto de como él lo había producido; primero el mendigo, luego sus antiguos compañeros, y finalmente el hombre al que habían dejado paralítico justo después de violar a su esposa, la cual murió a causa de esto, secuencia que termina con Alex tirándose por la ventana).
Por último, cabe destacar la presión de la policía y cómo se representa a la religión y a la iglesia mediante el papel del cura de la prisión. Y como no, la forma en que está narrada la película; toda es contada y explicada perfectamente por Alex.
La única palabra que me sale para definir esta película es impresionante, como ya he cicho, en todos los aspectos, y única, como todas las de Kubrick.





domingo, 8 de mayo de 2016

FICHA TÉCNICA

Título original: The Third Man (The 3rd Man)
Año: 1949
Duración: 104 min.
País: Reino Unido
Director: Carol Reed
Guión: Graham Greene (Novela: Graham Greene)
Música: Anton Karas
Fotografía: Robert Krasker (B&W)
Reparto: Joseph Cotten,Alida Valli, Trevor Howard, Orson Welles, Bernard Lee, Paul Hörbiger, Ernst Deutsch,Siegfried Breuer, Erich Ponto,Wilfrid Hyde-White, Hedwig Bleibtreu
Productora: London Films. Productores: Alexander Korda, David O. Selznick
Género: cine negro, intriga, drama.


SINOPSIS
A comienzos de la Guerra Fría, en la Viena de 1947, un escritor norteamericano bastante mediocre llega a la ciudad para ver a su amigo Harry (que le había prometido un trabajo) el cual resulta haber muerto. A partir de esta noticia, el protagonista (Holly Martins) intentará descubrir la verdad sobre su muerte ya que no cree que haya sido un accidente. Así descubre que su amigo de la infancia estaba metido en el mercado negro y que en el lugar del accidente había un tercer hombre.

COMENTARIO

El tercer hombre” es una película de cine negro, una de las primeras de este género. Es una película rodada con un bajo presupuesto y aún así, una obra maestra. Consta tanto de buenos intérpretes, como de un buen guión (que está basado en una novela) en el cual hay una trama principal y una subtrama (que sería la relación de Holly con Anna), una técnica espectacular y una composición muy trabajada. Al comenzar a ver esta película, lo primero en lo que me fijé fue en los planos. El juego que utiliza para mezclar todo tipo de éstos: general, picado, americano, primerísimo...
Por ejemplo, la escena de la aparición de Harry, cuando aparece el gato en sus pies y enfoca el zapato de una forma tan realista y tan simple que parece que puede dar lugar a cualquier cosa, o por ejemplo la escena de la noria, en la cual se ve a los dos “amigos” charlando y el plano cambia a una vista en general del suelo; esta escena es una de las que más me gustó, aunque no podría no mencionar la secuencia final, en la que Harry intenta escapar; aquí hay varias cosas que llamaron mi atención, principalmente la parte en la que se ve el túnel y suena el disparo, cuando finalmente aparece tras la humareda el protagonista, o el plano en el que se ve la fina línea entre la vida y la muerte de Harry, donde se enfocan sus manos intentando salir de los alcantarillados y finalmente se disuelven, junto con su propia vida.
Otra escena que merece la pena nombrar, para mi gusto, es la final. Creo que es increíble, es decir, durante largo rato aparece el mismo plano con el caminar lento de Anna, el cual provoca mucha confusión e indecisión. Cuando transcurría esta escena le di muchas vueltas a la cabeza pensando si se quedaría con él, o finalmente ignoraría su presencia, ya que veía muy posibles ambas opciones. Creo que me gustó más el enfoque que el director le dio, donde ella sigue caminando, lo cual indica que para ella ya no hay perdón posible y que las decisiones que se toman hay que afrontarlas para bien o para mal, aunque en esta escena el director cambia totalmente el guión del libro original, en el que ella sí le da una segunda oportunidad a Holly.
Pasando de comentar planos y escenas, cabe destacar también el juego con las sombras. En este aspecto, el director bebe mucho del Expresionismo Alemán; emplea callejones, ambientes sórdidos, sombras aumentadas de personajes en la noche, como la escena del vagabundo vendiendo globos (esta escena también me llamó mucho la atención) o cuando Holly ve a Harry por primera vez y sigue sus pasos. Aquí se ven principalmente sombras en la noche, acompañadas de un sonido de pasos. También emplea personajes totalmente cotidianos, como son el portero o el mismo vendedor de globos.
Observando otros aspectos de la película, me llama mucho la atención la banda sonora, una armonía alegre y divertida que acompaña a toda la película; tanto momentos tristes, como intrigantes como felices, da igual. Es una maestría tremenda utilizar esta melodía en escenas de suspense, en lugar de una melodía intrigante o que pueda producir miedo, y que no quite el verdadero sentido que se le quiere dar a esa escena. Es algo desconcertante y maravilloso.
Tocando otros temas, como el del contenido, llama mucho a mi atención el argumento en sí. Es decir, por un lado, un hombre va a ver a su íntimo amigo y al encontrarse el desastre que se encuentra, acaba enamorándose de su amante. Por otro lado, siente mucha pena al principio por él, pero al darse cuenta de lo que realmente era y hacía, decide ponerse del bando opuesto, el de la policía, y ayudar a delatar y descubrir a su supuesto amigo. Y por otro lado, el simple hecho de como se titula la película nos da una idea de que su argumento es enrevesado y fuera de lo normal. Eso es algo que me ha gustado, que me hiciese pensar. Pero no me ha gustado la postura del personaje principal, Holly. Me ha parecido que era una persona un tanto cínica, aunque el propio Harry tampoco me gusta mucho. La idea que dejó en mi esta película fue la falta de lealtad y la amistad rota, como el punto de vista que nos da el protagonista de que hacer el bien o lo que la sociedad considera que está bien es más importante que la amistad o el amor. Traición, hipocresía y falsedad son de los valores que más destacan de la película para mi forma de verlo.
Finalmente, me gustaría dejar claro que a pesar de que no me gustase mucho ninguno de los personaje principales, la película me ha parecido excelente, tanto en técnica como en contenido, y recomiendo verla a quellos que no la hayan visto porque resulta muy intrigante y entretenida.



sábado, 13 de febrero de 2016

REBECA:


Ficha técnica:

Título: Rebeca
Título original: Rebecca
Dirección: Alfred Hitchcock
País: Estados Unidos
Año: 1940
Duración: 130 min.
Género: Drama, Thriller, Intriga, suspense
Reparto: Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson, Nigel Bruce, Reginald Denny, C. Aubrey Smith, Gladys Cooper ,Florence Bates ,Melville Cooper ,Leo G. Carroll, Leonard Carey, Lumsden Hare, Edward Fielding, Alfred Hitchcock, Leyland Hodgson, Ronald R. Rondell, Edith Sharpe, Gino Corrado, Billy Bevan, Egon Brecher, Forrester Harvey, Alphonse Martell, Philip Winter, William H. O'Brien
Distribuidora: United Artists
Productora: Selznick International Pictures
Presupuesto: 1.288.000,00 $
Adaptación: Michael Hogan, Philip MacDonald
Compositor de la música original: Franz Waxman
Dirección: Alfred Hitchcock
Dirección de arte: Lyle R. Wheeler
Director de fotografía: George Barnes
Diseño de interiores: Joseph B. Platt
Efectos especiales: Jack Cosgrove
Guión: Joan Harrison, Robert Emmet Sherwood
Montador: W. Donn Hayes
Novela: Daphne Du Maurier
Producción: David O. Selznick
Sonido: Arthur Johns, Jack Noyes



Comentario:
Como siempre, Hitchcock no decepciona. En esta película de suspense nos habla de la figura omnipresente de Rebeca, y nos tiene engañados con su importancia y figura hasta prácticamente el final de la trama. A pesar de que la portadora del propio título del film no aparezca, consiguió meterse en mi cabeza y asustarme hasta el último minuto. Desde el punto de vista técnico, me ha parecido muy buena película; es decir, ha tenido la capacidad de con el simple enfoque de las miradas de los personajes o con la grabación en travelling siguiendo a la figura de la ama de llaves (que fue el personaje más tétrico para mi gusto), tenerme en vilo hasta su final. Escenas como en la que al ver las grabaciones de su luna de miel el señor de la casa y su nueva esposa, cuando una llama iluminaba los ojos de la mujer, o también los del hombre, condensaban más angustia (por parte de ella) e incertidumbre (por parte de él) que cinco niños llorando. O por ejemplo cuando el ama de llaves, desde el primer momento en el que aparece hasta el final, estaba claro de que era una mujer sombría, con algún plan dentro de sí. Su mirada, su simple mirada, parecía contar la vida de Rebeca, incluso su muerte. Al parecer, estaba tan obsesionada con ella, que nadie podría remplazarla en esa casa, ni en ese mundo, por lo que la malvada mujer intenta por todos los medios deshacerse de la nueva esposa de Winter. Cada vez que aparecía, acorde con la banda sonora, la cara de la protagonista daba un giro de 180 grados, y la mía también. Esa capacidad de mover tantos sentimientos en simples miradas o expresiones y jugar de esa manera con las luces y las sombras me parece de una maestría enorme.
Otra escena que me llamó la atención desde el punto de vista técnico fue en la que comienza a llover cuando la pareja se dirige a la mansión. Teniendo en cuenta de que la película es del año 40, el efecto especial de la lluvia está muy logrado, ya que parece que realmente comienza a llover.
Otra figura que también tiene mucha importancia, tanto en Rebeca como en la película en sí, y todos sus personajes, es el mar. Varias veces es nombrado y elogiado por el ama de llaves, sobre todo cuando le muestra la habitación de Rebeca a la señora. Esta secuencia me encantó, pero siempre me parecía que algo malo iba a pasar de un momento a otro, que le iba a hacer daño, o que acabaría matándola, pero todo lo contrario, al parecer la criada solo tenía poder en lo psicológico, en dañar los sentimientos de la gente y hacerles sentir miserables, concretamente tenía mayor repugnancia por la nueva esposa de George.
Otra escena increíble fue la final, en la que esta mujer incendia toda la casa. Aquí se ve la maldad en estado puro, es decir, se supone que ella quiso incendiarlo porque no podía soportar que ninguna otra mujer fuese feliz con George en esa casa, y es ahí cuando la incendia. Al principio se ve desde un plano gerenal (toda la casa), pero luego va acercando y mediante el zoom acaba viéndose cada vez más a la mujer prendiendo fuego a las cortinas, hasta que se le ve el rostro, lleno de odio y rencor. Ahí acaba la película, en el fuego.
Me ha parecido de alto valor moral, quiero decir, que a pesar de ser un thriller y llevar la intriga desde el primer minuto hasta el último, integra otros valores, como el propio odio, rencor, angustia, e incluso arrepentimiento. Recomiendo a aquellas personas que no la hayan visto, que la vean, porque a parte de ser divertida y entretenida, es una película de gran fama que desde su primera reproducción hizo que todo el mundo que la haya visto recuerde a Rebeca por mucho, mucho tiempo.

viernes, 12 de febrero de 2016

Ficha Técnica:

Título: ¡Qué verde era mi valle!
Título original: How green was my valley
Dirección: John Ford
País: Estados Unidos
Año: 1941
Duración: 118 min.
Género: Drama, Familiar
Reparto: Walter Pidgeon, Maureen O'Hara, Anna Lee, Donald Crisp, Roddy McDowall, John Loder, Sara Allgood, Barry Fitzgerald, Patric Knowles, Welsh Singers, Morton Lowry, Arthur Shields, Ann Todd, Frederick Worlock, Richard Fraser, Evan S. Evans, James Monks, Rhys Williams, Lionel Pape, Ethel Griffies, Marten Lamont, Clifford Severn, Dennis Hoey, Eve March, Tudor Williams, Herbert Evans, Mary Field, Tiny Jones, Jack Pennick, Mary Gordon, Will Lewis, Lewis Rees, Owen Thomas
Guión: Philip Dunne
Distribuidora: Twentieth Century Fox Film Company
Productora: Twentieth Century-Fox Film Corporation
Presupuesto: 1.250.000,00 $
Dirección: John Ford
Dirección artística: Nathan Juran, Richard Day
Fotografía: Arthur C. Miller
Guión: Philip Dunne
Montaje: James B. Clark
Música: Alfred Newman
Novela original: Richard Llewellyn
Producción: Darryl F. Zanuck
Sonido: Eugene Grossman, Roger Heman Sr.
Vestuario: Gwen Wakeling

Comentario:
“Que verde era mi valle” es un flashback narrado por un niño, el cual al principio aparece empaquetando sus cosas para marchar de su casa y de su valle, cuando empieza a contar sus recuerdos de la infancia, los cuales le producen mucha nostalgia. En esta película se ve como es la vida de los mineros en un valle de Gales, y concretamente la de la familia Morgan, con un cabeza de familia recto y que piensa al contrario que todos sus hijos; es decir, mientras los hijos piensan que frente a la injusticia de la mina deben de unirse todos e intentar cambiar las condiciones,
el padre cree que deben de seguir aceptando las cosas como vienen, una postura que personalmemte no me parece la más adecuada. El hijo menor (Huw), cuenta como empezó todo, desde su punto de vista; como conoció a su 'hermana', como veía el retroceso de la mina y de los trabajadores, y también su experiencia en la escuela, que a pesar de ser muy buen alumno decide dedicarse a la mina, como sus hermanos. Al principio del film, se ve una escena impresionante del valle, el cual aparece en distintos planos, mientras Huw comienza a narrar su historia, y luego ya se va centrando más en la propia trama. Con respecto a la producción, me llamaron la atención, además de la escena que acabo de citar, la escena en la que Huw comienza a caminar de nuevo al recuperarse de su enfermedad en lo alto del valle, acompañado por Griffith (un hombre bueno, al que la vida no paga como mereciese). En esta escena se ve lo alto del valle desde un plano increíble y me parece bastante buena. Otra escena que me fascinó fue en la que Huw llega al colegio; esta escena no fue de mi agrado, sino todo lo contrario, me gustó desde el punto de vista técnico, pero me pareció denigrante y muy insensible. A pesar de que en el tiempo en el que está narrada la historia fuese de lo más normal educar a los niños mediante azotes y varazos, fue algo horrible ver como un niño indefenso recibía los golpes de un 'licenciado' que sin vara no sería nada, (algo que se ve luego cuando los amigos de la familia Morgan le dan venganza).Supongo que mediante esa escena intenta hacer ver la crueldad del maestro, e incluso de los niños.
También al final de la película, cuando se incendia la mina, y Huw y Griffith acuden a buscar al padre de los Morgan, que era el único que no había conseguido salir, me llamó la atención la escena dentro de la mina, con todo inundado. En ella, los dos salvan al padre y luego cambia a otro plano totalmente distinto, en el que se ve la salida por el ascensor, con el hombre ya muerto. Ahí acaba la película, con una lección moral que refleja el desgaste, el paso del tiempo y el daño que causó ese trabajo para aquel pueblo, aquel valle que en un principio era verde y alegre, y terminó convirtiéndose en algo sombrío y gris. Refleja también valores como el coraje, la hipocresía, el amor familiar y la ternura, dentro del propio protagonista. La escena de la capilla en la que Griffith suelta un discurso a aquellos que le han fallado refleja muchos valores, el coraje dentro de él mismo, y la hipocresía en todos los demás.
En este melodrama también está muy presente la religión, algo que se ve cuando los hijos piden al padre que les lea un capítulo de la Biblia todas las noches, y muchas veces los personajes atribuyen la culpa de lo que ellos mismos hacen, a las palabras de Dios. Es decir, al ama de llaves por ejemplo, no quiere meterse en nada de asuntos que no sean de su incumbencia, pero aun no queriendo, hace llegar a oídos de todos los habitantes del pueblo la noticia que ni siquiera ella sabe con certeza, sino que cree que está segura. Otras veces se llevan a cabo matrimonios que no son del gusto ni de siquiera los que los componen, y eso también se atribuye a la elección de Dios y a lo que sería mejor para cada familia. Ahí también tiene gran sulpa el Sr. Morgan, que quiere lo mejor para su familia, y a veces ni se da cuenta de que buscando lo mejor acaba haciendo infelices a algunas personas.
“Que verde era mi valle” es un drama para mi gusto muy bien esquematizado y equilibrado, en el que se muestran muchos aspectos de la vida humana, y a nivel cinematográfico muy bien dirigido. En él, abordan el amor y el cariño de una forma neutra, es decir, nada pesada, y también refleja las costumbres del pueblo, un pueblo minero de finales del siglo XIX. Personalmente, tanto desde el punto de vista técnico (sublime si tenemos e cuenta el año en el que fue rodada y dirigida) como desde el punto de vista de contenido, ma ha parecido una película interesante, entretenida y cargada de valores que deben de ser mostrados a todas las sociedades, tanto a la del siglo XIX, como de cuaquier otro, porque trata temas universales, algo que puede entenderse en cualquier época, y en cualquier lugar.



domingo, 7 de febrero de 2016

QUE BELLO ES VIVIR

Ficha técnica

Año:1948País:EE.UU.Dirección: Frank Capra
I
ntérpretes: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, Gloria Grahame, Ward Bond, Beulah Bondi, Bob Anderson.Guión: Frances Goodrich, Albert HackettMúsica: Dimitri TiomkinFotografía: Joseph WalkerDuración: 122 min.Género: Drama


Comentario

Que bello es vivir” es una película que narra la vida de un hombre honrado y generoso, bueno con todo el mundo y tan altruísta que llega al punto de intentar morir por salvar a su familia, y todo por culpa de otro hombre que es de personalidad totalmente opuesta a él. George Bailey es el protagonista de esta obra maestra, en la que tanto el argumento como la producción hacen que el que la está viendo pueda llegar a empatizar totalmente con este personaje. Es una película en blanco y negro, pero con sonido, perfectamente doblada y con efectos de sonido muy buenos, como cuando el ángel, que aparece como una estrella, habla, y narra toda la historia. Algunas escenas, como en la que George intenta suicidarse y es rescatado por un ángel de la guarda, en la que el salvamiento aparece reflejado al revés, me parecen increíblemente buenas; o también cuando al principio de la película, éste salva a su hermano de morir ahogado; teniendo en cuenta el año en el que esta película fue rodada, hay que apreciar los efectos especiales que nos hacen creer que el hombrecito que acude a su rescate es un verdadero ángel.También el reparto está bien, es decir, los personajes interpretan pefectamente su papel, que en ocasiones es complejo ya que aparecen dos realidades; la principal, la que el propio George vive, y la paralela, la que George ve y la que sería principal si él no existiese. Intenta diferenciar los tipos de personas que puede haber en el mundo, y en aspectos morales relfeja la avaricia y la hipocresía, en el personaje del señor Potter, y la humildad y ternura, en el personaje de George. Lleva a hacerse preguntas como ¿por qué hay gente tan mala en este mundo? O ¿por qué las mejores personas acaban pasando siempre por lo peor? Aunque todo esto al final tiene su recompensa (bueno, al menos en la película). Teniendo en cuenta que la película empieza con una avalancha de voces rezando por George y para que Dios le ayude, también ofrece la perspectiva de la gente, y es que todo el mundo quería a ese hombre, cada uno de forma distinta, unos por amistad, otros por simple cariño o aprecio, y otros por verdadero amor, por lo que lleva a pensar que cuando alguien es bueno con los demás y hace cosas por ellos, estos te recompensarán, aunque también depende de que tipo de persona sea. En la escena final se ve como recupera la casa que iban a embargarle (la casa que el y su mujer habían arreglado con toda la ilusión que podían) y además de eso es capaz de pagar sus deudas con el dinero que todo el mundo le regala el mismo día de nochebuena, esta parte de la película también refleja la cooperación y el amor humano. En algunos aspectos es muy conmovedora e incluso te lleva a replantearte lo que podría ser la vida de la gente si tú no hubieses nacido, como George, es decir, intenta mostrar el lado bueno de la vida y de las cosas; es un film optimista y conmovedor que invita a ser feliz y a ver que no todo es como parece, a veces hay que darle la vuelta a las cosas para poder ver lo que son realmente.